Амедео Модильяни

«Счастье – это ангел с печальным лицом»
Амедео Модильяни

Амедео Модильяни родился 2 июля 1884 года в Италии, в Ливорно.
Мальчик очень рано почувствовал свое предназначенье. Он учится живописи в Ливорно, затем во Флоренции. В 1906 году Модильяни покидает Италию и отправляется в Париж, тогдашнюю столицу авангардного искусства.
Модильяни поступает в Академию живописи и быстро становится своим среди парижской богемы.
Художника звали в семье «Дэдо», друзья же прозвали, сократив длинную итальянскую фамилию – Моди, что по-французски значит «проклятый», «демон».
Моди учится в академии художеств, много и напряженно работает, участвует в выставках и салонах, занимается живописью и скульптурой. Но критики, маршаны и знатоки живописи его не жалуют.
Моди пишет только портреты и обнаженную натуру. "Человек - вот что меня интересует. Человеческое лицо - наивысшее создание природы. Для меня это неисчерпаемый источник". У художника всегда была какая-то обостренная чуткость к чужому страданию, он сам был беден, одинок и по-детски беззащитен.
Илья Эренбург, живший в те годы в Париже, был знаком с Модильяни. Вот что он пишет: в своей книге «Люди, годы, жизнь»: «Он мог бы писать заказные портреты, которые бы нравились заказчикам и критикам, но Модильяни не умел ни лгать, ни приспосабливаться…. Он создал множество портретов, на которых изображены люди их печаль, нежность и обреченность. Его холсты не случайные видения – это мир, осознанный художником, обладавшим необычайным сочетанием детскости и мудрости, непосредственности и внутренней чистоты.»
Он жил и работал неистово, «творить как Бог, владеть, как король, работать как невольник» говорил он, заполняя свои тетради бесчисленными рисунками.
В 1914 году Моди знакомится с Леопольдом Зборовским, ставшим для него ангелом хранителем. Збо был самый необычный и бескорыстный из всех парижских галеристов, или как их называют во Франции маршанов. Он первым почувствовал талант Модильяни и проявлял к нему необычайную, трогательную терпимость и заботу.
Модильяни мечтал создать свой храм Красоты, создавая образы прекрасных женщин с вытянутыми лебедиными шеями. Женщины всегда любили и искали любви невероятно красивого итальянца, но он мечтал и ждал одну-единственную женщину, которая станет его вечной, настоящей любовью. Ее образ не раз приходил к нему во сне.
Это произошло в 1917 году - он встретил Жанну Эбютерн.
Увидев ее, как гласит легенда, он сразу же стал писать ее портрет. Амедео было тридцать три, Жанне девятнадцать. Жанна полюбила Моди, и пошла за ним и на жизнь и на смерть. Она стала его последней и верной спутницей жизни.
Двадцать девятого ноября 1918 года у них родилась дочь. «Законные оформления» не были совершены: и малютку зарегистрировали как дочь Жанны Эбютерн от неизвестного отца.
Любовь Жанны, рождение ребенка ничего не изменило в беспорядочной жизни художника. Здоровье Моди всегда было слабым, в детстве он перболел и тяжелой формой тифа и чахоткой. Беспорядочная жизнь, наркотики и алкоголь совсем расстроили его здоровье. Не помогли ни поездки на юг Франции, ни лечении в Италии. Он кашлял, слабел, но не желал лечиться. По-прежнему нет денег и признания, нет постоянного пристанища. Во временно снятой крошечной и холодной мастерской никакого уюта, никакого быта.
Единственная выставка, организованная в 1917 году, не имела успеха и закончилась скандалом. «Большая обнаженная», выставленная в витрине галереи, показалась полицейскому комиссару неприличной: картину пришлось убрать, а выставку закрыть.
Надежда сменялась отчаяньем, и в иные минуты Моди казалось, что он чувствует за своей спиной дыхание смерти. Он не мог сидеть дома, и бесцельно кружил по ночному Парижу, перебираясь из одного кафе в другое.
Жизнь стремительно катилась к финалу.
Наступила роковая зима 1919 года. В это время Моди кашлял и стал уже пугающе худ и слаб. Пил он теперь отчаянно, и к себе никого не подпускал.
Его отчаянье дошло до предела – порой почти до безумия.
Леопольд Зборовский вспоминал: «Последний месяц Амадео мечтал поехать в Италию с женой и дочкой. Ждал только вторых родов жены. Мои советы немедленно уехать в какой-то санаторий, оставались безрезультатными. Когда я ему говорил, поезжай лечиться, он смотрел на меня как на врага и отвечал: «Не читай мне нотаций» Он ведь был дитя звезд, и реальная действительность для него не существовала».
19 января 1920 года.
В тот вечер холодный, бурный и ветреный он бродил по улицам, и надрывно кашлял. Ледяной ветер раздувал за спиной его куртку. Он был беспокоен, шумен и почти опасен. Друзья советовали отправиться домой, но он продолжал бессмысленное ночное кружение.
На другой день ему стало совсем плохо, и он слег. Навестившие Моди соседи по мастерской увидели его лежащим в горячке в постели. Беременная на восьмом месяце Жанна примостилась тут же рядом. В комнате было ужасно холодно. Бросились за врачом. Положение все ухудшалось. Он был уже без сознания.
22 января 1920 года Моди положили в больницу Шаритэ для бедных и бездомных. Через два дня его не стало.
На рассвете следующего дня в четыре часа утра беременная Жанна выбросилась из окна шестого этажа и разбилась насмерть.
Старое кладбище Пер Лашез. Пройдя мимо надгробий великих писателей, артистов, художников, мы подходим к могильной плите, на которой две надписи:
«Амадео Модильяни, художник. Родился в Ливорно 12 июля 1884 года. Умер в Париже 24 января 1920 года. Смерть настигла его на пороге славы». А рядом еще надпись «Жанна Эбютерн. Родилась в Париже в апреле 1898 года. Умерла 25 января 1920 года. Верная спутница Амадео Модильяни, не захотевшая пережить разлуку с ним.»
Он умер молодым, но исполнил, чего желал, - заметил скульптор Жак Липшиц, вспоминая слова Амадео о том, что единственное к чему стремился художник – это прожить жизнь, пусть короткую, но насыщенную.»

Отредактировано dashakl (2011-10-27 16:44:05)

Татьяна Толстая "Квадрат"

очень интересный взгляд на предмет

В 1913, или 1914, или 1915 году, в какой именно день — неизвестно, русский художник польского происхождения Казимир Малевич взял небольшой холст: 79,5 на 79,5 сантиметров, закрасил его белой краской по краям, а середину густо замалевал черным цветом. Эту несложную операцию мог бы выполнить любой ребенок — правда, детям не хватило бы терпения закрасить такую большую площадь одним цветом. Такая работа под силу любому чертежнику, — а Малевич в молодости работал чертежником, — но чертежникам не интересны столь простые геометрические формы. Подобную картину мог бы нарисовать душевнобольной — да вот не нарисовал, а если бы нарисовал, вряд ли у нее были бы малейшие шансы попасть на выставку в нужное время и в нужном месте.
Проделав эту простейшую операцию, Малевич стал автором самой знаменитой, самой загадочной, самой пугающей картины на свете — «Черного квадрата». Несложным движением кисти он раз и навсегда провел непереходимую черту, обозначил пропасть между старым искусством и новым, между человеком и его тенью, между розой и гробом, между жизнью и смертью, между Богом и Дьяволом. По его собственным словам, он «свел все в нуль». Нуль почему-то оказался квадратным, и это простое открытие — одно из самых страшных событий в искусстве за всю историю его существования.
Малевич и сам понял, что он сделал. Шаря руками в темноте, гениальной интуицией художника, пророческой прозорливостью Создателя он нащупал запрещенную фигуру запрещенного цвета — столь простую, что тысячи проходили мимо, переступая, пренебрегая, не замечая…  Немногие осмеливались бросить вызов Князю Тьмы. Малевич посмел — и, как и полагается в правдивых повестях о торговле с Дьяволом, о возжаждавших Фаустах, Хозяин охотно и без промедления явился и подсказал художнику простую формулу небытия.
В конце того же 1915 года — уже вовсю шла Первая мировая война — зловещее полотно было представлено среди прочих на выставке футуристов. Все другие работы Малевич просто развесил по стенам обычным образом, «Квадрату» же он предназначил особое место. На сохранившейся фотографии видно, что «Черный квадрат» расположен в углу, под потолком — там и так, как принято вешать икону. Вряд ли от него — человека красок — ускользнуло то соображение, что этот важнейший, сакральный угол называется «красным», даром что «красный» означает тут не цвет, а «красоту». Малевич сознательно вывесил черную дыру в сакральном месте: свою работу он назвал «иконой нашего времени». Вместо «красного» — черное (ноль цвета), вместо лица — провал (ноль линий), вместо иконы, то есть окна вверх, в свет, в вечную жизнь — мрак, подвал, люк в преисподнюю, вечная тьма.
А. Бенуа, современник Малевича, сам великолепный художник и критик искусства, писал о картине: «Черный квадрат в белом окладе — это не простая шутка, не простой вызов, не случайный маленький эпизодик, случившийся в доме на Марсовом поле, а это один из актов самоутверждения того начала, которое имеет своим именем мерзость запустения и которое кичится тем, что оно через гордыню, через заносчивость, через попрание всего любовного и нежного, приведет всех к гибели».
Малевич не ждал квадрата, хотя и искал его. В период до изобретения «супрематизма» (термин Малевича) он исповедовал «алогизм», попытку выйти за границы здравого смысла, исповедовал «борьбу с логизмом, естественностью, мещанским смыслом и предрассудком». Его зов был услышан, и квадрат предстал перед ним и вобрал его в себя. Художник мог бы гордиться той славой, что принесла ему сделка с Дьяволом; он и гордился. Не знаю, заметил ли он сам ту двусмысленность, которую принесла ему эта слава. «Самая знаменитая картина художника» — это значит, что другие его произведения менее знаменитые, не такие значимые, не столь притягивающие, словом, они — хуже. И действительно, по сравнению с квадратом все его вещи странно блекнут. У него есть серия полотен с геометрическими, яркими крестьянами, у которых вместо лиц — пустые овалы, как бы прозрачные яйца без зародышей. Это красочные, декоративные полотна, но они кажутся мелкой, суетливой возней радужных цветов, перед тем как они, задрожав последний раз, смешаются в пеструю воронку и уйдут на бездонное дно Квадрата. У него есть пейзажи, розоватые, импрессионистические, очень обычные, — такие писали многие, и писали лучше. Под конец жизни он попытался вернуться к фигуративному искусству, и эти вещи выглядит так страшно, как это можно было предсказать: не люди, а набальзамированные трупы, восковые куклы напряженно смотрят из рамок своих одежд, словно бы вырезанных из ярких клочков, обрезков «крестьянской» серии. Конечно, когда ты достигаешь вершины, то дальше — путь только вниз. Но ужас в том, что на вершине — ничего нет.
________________________________________

Константина Васильева
(1942-1976)

Русский художник, творческое наследие которого насчитывает более 400 произведений живописи и графики: портреты, пейзажи, сюрреалистические композиции, картины былинного, мифологического и батального жанров.

Среди известных работ - циклы «Русь былинная» и «Кольцо Нибелунга», серия картин о Великой Отечественной войне, графические портреты, а также последняя работа художника - «Человек с филином».

С 1949 по 1976 гг. жил в доме, где открыт музей.

В 1976 г. трагически погиб, похоронен в пос. Васильево.

В 1984 г. семья Васильевых переехала в г. Коломну под Москвой, куда перевезла все принадлежавшие ей картины художника.

Знакомство с этим художником состоялось оочень давно и толчком стало потрясение от этой картины. И следующее потрясение - отчего жизнь так коротка? Почему порой отводится так мало времени таланту....

Хочется привести отрывок из книги "Художник по зову сердца"
Анатолия Доронина "Руси волшебная палитра"

Шишкин Иван Иванович «На севере диком»

Михаил Лермонтов
"На севере диком стоит одиноко..."
На севере диком стоит одиноко
На голой вершине сосна,
И дремлет, качаясь, и снегом сыпучим
Одета, как ризой, она.

И снится ей все, что в пустыне далекой,
В том крае, где солнца восход,
Одна и грустна на утесе горючем
Прекрасная пальма растет.

К 50-летию со дня смерти М.Ю.Лермонтова, петербургским издателем П. П. Кончаловским, одним из пайщиков известного книгоиздательства И. Н. Кушнерева, было подготовлено богато иллюстрированное собрание сочинений поэта. В подготовке издания приняли участие Врубель, Серов, Васнецов, Поленов, а также Иван Иванович Шишкин.

Работа над рисунками навела Шишкина на мысль написать и картину маслом «На севере диком…». Когда ее увидел художник Бялыницкий-Бируля, человек весьма требовательный, он сказал: «Я убежден, что если бы Лермонтов увидел картину Шишкина, он был бы счастлив».

В зиму 1890—1891 года живописец несколько раз выезжал в Мери-Хови. Ему важно было наблюдать зиму и снег. Зимние сюжеты чрезвычайно заинтересовали Шишкина. На мызе у дочери им была написана эта картина.

«На севере диком стоит одиноко», — абсолютный лирический шедевр Лермонтова, вольный перевод гейневского стихотворения «Сосна стоит одиноко», сделанный поэтом едва ли не молниеносно, по просьбе князя Вяземского, накануне рокового отъезда на Кавказ.
Стихотворение Лермонтова было написано в 1841 году. Оно является переводом стихотворения великого немецкого поэта Гейне «Ein Fichtenbaum» («Сосна»), написанного в 1822 году.

Стихотворение Гейне является кульминационным в юношеском цикле стихотворений «Лирическое интермеццо», входящем в состав «Книги песен», создававшейся в течение двадцати лет. Лейтмотив всего цикла – тема любви. Поэт томится по недосягаемой возлюбленной; к любви героя причастен весь мир, вся природа. Горечь неразделённой любви выражена в стихотворении «Сосна» в символах широкого смысла.

В отличие от Гейне, лермонтовское стихотворение, образнее, эмоциональнее, проникновеннее. Поэту удалось передать мысль об одиночестве и бренности человеческого существования, трагизм человеческой разобщённости, а не только горечь неразделённой любви, как в стихотворении Г. Гейне.

Картина Шишкина создана по мотивам стихотворений Гейне и Лермонтова передаёт те же чувства обоих поэтов, но только другими средствами – средствами живописи.

Одиночество...
На скале, среди снега и тьмы , одиноко стоит могучая сосна. Наперекор лютым морозам, ветрам и снегам, она растёт там, где ничто расти не может. Кажется нет такой силы, которая может её свалить,обламать, согнуть.

С достоинством возвышаеется могучее, гордое дерево и тяжёлый, сверкающий снег, схожий с богато украшенной ризой священника, прогибает нижние ветки почти до земли.
Кажется, что сосна смотрит на Луну. Она освещает мрачное ущелье,тёмно-грозовые безбрежные дали, облака, серебрит снег на сосне и вокруг.
Снег не чисто белый. Мастерство художника показало множество оттенков снега. А на макушке сосны снег схож с облаками и они будто беседуют между собой. Полное замороженное безмолвие. Кажется тьма тяжелее света, она сгущается и оседает в пропасти. Лишь одинокая сосна- «мечтательница», грезит о другом, светлом и радостном мире.

Три шедевра искусства, которые приобрели мировое значение, взаимно обогащают друг друга, выражают мечту о возвышенном и прекрасном, но разными средствами.

Необычная живопись Яна Дэйви (Ian Davie)


Бывает лебединая верность и лебединая песня, лебединая шея и лебединое озеро. А британский художник Ян Дэйви (Ian Davie) к этому списку добавил еще и лебединую живопись. Художник рисует очень красивые, но совершенно обычные картины, изображающие птиц и бабочек, рыб и животных, цветы и деревья... Только делает он это не на бумаге, ткани или стекле, а на белоснежных лебединых перьях, которые собирает каждый год во время линьки этих изящных, величественных птиц.

Яну Дэйви крупно повезло: рядом с его домом находится пруд и питомник для королевских лебедей, где художник проводит массу времени, собирая сброшенные птицами перья, которые потом пускает в работу. Предварительно отчистив, отмыв и высушив, а потом обработав "материалы", чтобы они стали пригодны для рисования. Обычно у художника есть наброски и даже эскизы тех картин, которые он планирует перенести с бумаги на перья, но иногда он рисует экспромтом, - настолько его вдохновляют прогулки у пруда с лебедями.

Картины на лебединых перьях. Ни одна птица не пострадала

Рисовать картины на перьях - древнее искусство народа маори

Так, любимый прием Яна Дэйви - это "широкоформатные" картины, которые растягиваются на несколько перьев. Они и выглядят куда выигрышнее "обычных" вертикальных работ, и рисовать их интереснее. Для рисования на перьях автор использует специальные акриловые краски на водной основе, которые не повреждают перья, быстро высыхают и хорошо держатся за поверхность пера. Вероятно, сказывается опыт, приобретенный Яном Дэйви за годы работы таксидермистом.

Вы не поверите, но 45-летний художник занимается живописью лишь последние 5 лет. До этого, признается мастер, он ни разу не брал в руки кисть и краски. Но вот, случилось... Способ раскрашивания перьев Ян Дэйви подсмотрел в Новой Зеландии, куда он отправился отдохнуть в один из отпусков. Там ему улыбнулась удача познакомиться не только с искусством народа маори, но и со своей будущей супругой Трейси.

Широкоформатная *лебединая живопись* от Яна Дэйви (Ian Davie)

а этим кропотливым занятием, собиранием, выпрямлением, обработкой и раскрашиванием лебединых перьев, Ян Дэйви провел четыре года, оттачивая свое мастерство. Начав с обычного холста, и вскоре перейдя на "перьевое" рисование, художник поднаторел настолько, что его "лебединая живопись" сможет стать подходящим подарком самой королеве.

Jeff Rowland о любви в любую погоду...

Недавно эта тщательно скрываемая информация все-таки просочилась в СМИ: сразу трое голливудских актеров почти одновременно перечислили на счет некоего Роберта Винча крупные суммы. Зачем?

Примерно 30 лет назад малоизвестный американский художник Роберт Винч (по манере письма напоминающий нашего Шилова) написал портрет одной семейной пары. Заказчики остались довольны и повесили его в своей гостиной. А через полгода погибли в автомобильной аварии. Что ж, с кем, как говорится, не бывает.
Затем случились смерти еще нескольких человек, на первый взгляд никак друг с другом не связанных. Пока случайно не обнаружилось, что в разное время портреты этих людей писал тот самый Роберт Винч. Он вообще оказался весьма плодовитым (опять напрашивается параллель с Шиловым). Когда журналисты взялись за изучение странных совпадений, то обнаружили: около 60% тех, с кого Винч писал портреты, умерли не своей смертью. История получила огласку, от услуг Винча начали бежать как черт от ладана, а сам он очутился на грани нищеты. И тогда художник взялся за шантаж: предлагал богатым людям написать их портрет. Те вежливо отказывались. Это Винча не останавливало: он создавал по памяти и высылал адресату. Случалось, герой портрета скоро оказывался на том свете. И тогда Роберту Винчу стали платить за... ненаписанные картины. По слухам, уже десяток лет Голливуд в складчину обеспечивает шантажисту приличный образ жизни. Долгое время об этом никто не знал, пока недавно Бредли Купер, известный сериальный актер, при заполнении налоговой декларации не смог объяснить, куда делись триста тысяч долларов. Под давлением прессы пришлось признаться: деньги переданы Роберту Винчу за то, чтобы он не писал его портрета. А через несколько дней об этом же заявили еще несколько актеров. Словом, в ближайшие месяцы Голливуд ждут интересные события. Сколько еще знаменитостей замешано в такого рода "взяточничестве" - одному Богу известно. Ну, и Роберту Винчу, естественно.
О ком плачет мальчик?

Да, картины нередко становятся виновниками странных событий. Например, знаменитая репродукция (репродукция, а не само полотно!) с картины испанского художника Джованни Браголина "Плачущий мальчик" подожгла не один десяток домов на севере Англии в середине 80-х годов XX века. В те годы "Мальчик" неожиданно приобрел популярность. Одна полиграфическая компания на хорошей бумаге напечатала репродукции, которые мгновенно разошлись. А потом запылали дома, в которых они висели. История создания картины такова: моделью для "Плачущего мальчика" служил сын художника. Малыш отказывался плакать, и злобный папаша стал жечь возле его лица спички. Наконец ребенок заревел: "Что б ты сам сгорел!" Не прошло и месяца, как мальчик скончался от пневмонии, а еще через пару недель в доме Браголина возник пожар, в котором погиб и сам художник, и почти все его работы...
Славу картины-поджигательницы заслужили и "Водяные лилии" Клода Моне. Первым от нее пострадал сам художник - его мастерская едва не сгорела, лишь только последний мазок лег на полотно. Горели и владельцы "Водяных лилий" - кабаре на Монмартре, дом французского мецената и даже Нью-Йоркский музей современного искусства.
Кладбище запорожцев

Большим мастером по умерщвлению своих героев был и русский художник Илья Репин. Едва ли не на следующий день после завершения работы над их портретами умерли композитор Мусоргский, хирург Пирогов, политик Столыпин. Писатель Всеволод Гаршин бросился в пролет лестницы после того, как Репин написал с него этюд головы царевича для картины "Иван Грозный убивает своего сына". Почти все друзья, которых он запечатлел на другом знаменитом полотне - "Запорожцы пишут письмо турецкому султану", по разным причинам умерли сразу после того, как работа была впервые выставлена. Испугавшись, художник закрасил на ней изображение собственного сына.
Комментирует искусствовед Маргарита Ахмедова:

- Картины, вызывающие беспокойство, тщательно изучаются специалистами. Химики исследуют краску и холст, физики - воздействие солнечных лучей на изображение, парапсихологи ходят вокруг полотен с биорамками. Результат, как правило, оказывается нулевым. Ничего сверхъестественного они не обнаруживают.
Несколько лет назад в Эрмитаже пошли на беспрецедентный шаг - изъяли из экспозиции древнюю икону с изображением Христа. Сотрудники жаловались, что длительное пребывание возле иконы вызывает плохое самочувствие. Несколько смотрительниц из этого зала скоропостижно скончались. Приглашенный специалист, которому я ассистировала, провел экспертизу и установил: икона распространяет вокруг себя энергию, заставляющую человеческий мозг вибрировать на большой частоте. А это может вынести далеко не каждый. К аналогичным выводам в разное время приходили и другие исследователи: в Новой и Старой Пинакотеке в Мюнхене, в Лувре, в других галереях устанавливали приборы, фиксирующие движения глаз зрителей и время, проведенное у картины. Было доказано, что в ряде картин явно присутствует некая энергия: художники вкладывали в них всю душу, насыщая полотна огромной энергией, которая за десятилетия или века своеобразной "выдержки" в какой-то момент может достигнуть критического уровня и непредсказуемо "выстрелить". Но ответа на вопрос: когда и в кого будет направлено это оружие - пока, к сожалению, нет. Поэтому позвольте совет, нетипичный для искусствоведа: если какое-то полотно вызывает у вас дискомфорт, срочно уйдите от него! Не играйте с судьбой...
Полина Ларина

Весна, весна! Как воздух чист!Март в живописи.

Начало весны вдохновляет многих художников на написание удивительных пейзажей. Картина "Март" Исаака Левитана произвела в свое время переворот в русской живописи.

Оказалось, что еще никто до него так живописно и ярко не писал снег, синие тени деревьев и яркое голубое небо.
После Левитана подобный мотив стал излюбленным в русской пейзажной живописи, и многие художники, включая Юона и Грабаря, варьировали его в своих работах.
Современные художники продолжают традиции великих живописцев, привнося в свои произведения новые цветовые решения и техники.
Март в произведениях художника Александра Шевелева - это прежде всего особое трогательное состояние северной природы, светлый канун перед бурным  весенним пробуждением. Еще лежит глубокий снег, но он напитан тающей влагой и на теплых пригорках уже растаяли сугробы.
Деревья еще голы, но ветви уже набираются первого тепла, на солнце начинают набухать почки.
Снег ослепительно блестит, а в воздухе чувствуется приближение теплых дней. Все пронизано ожиданием.

Уж тает снег, бегут ручьи,

В окно повеяло весною...
Засвищут скоро соловьи,
И лес оденется листвою!

Чиста небесная лазурь,
Теплей и ярче солнце стало,
Пора метелей злых и бурь
Опять надолго миновала.

И сердце сильно так в груди
Стучит, как будто ждет чего-то,
Как будто счастье впереди
И унесла зима заботы!

Все лица весело глядят.
"Весна!"- читаешь в каждом взоре;
И тот, как празднику, ей рад,
Чья жизнь - лишь тяжкий труд и горе.

Но резвых деток звонкий смех
И беззаботных птичек пенье
Мне говорят - кто больше всех
Природы любит обновленье!

А.Н. Плещеев

Розовый, березовый

В роще встал рассвет.
Лютыми морозами
Старый клен раздет.
Ветер невидимкою
Плачет и поет,
В синем небе льдинкою
Облачко плывет.
Но теплом повеяло
Утром из леска,
И земля поверила,
Что весна – близка!
Покружит, уляжется
И растает снег…
Это только кажется,
Что зима навек!

В  Татаринов

И.Левитан. Март.
Очень скоро уже будет март,
Небо заиграет синевой,
И душа готовится на старт -
К встрече с долгожданной красотой!

Свежий ветер счастьем закружит,
Запахи совсем сведут с ума!
Зайчиками солнце ослепит,
И уйдёт из памяти зима!

Утром мартовским легко проснусь,
Свет прольётся в дом из всех окон,
Солнышку навстречу улыбнусь
Под весёлый птичий перезвон.

Нежностью подснежник зацветёт,
Прогоняя безвозвратно грусть!
Половодье душу захлестнёт
Ярких, светлых, невозможных чувств!

К.Юон. Мартовское солнце.

А.Саврасов. Грачи прилетели.

А.Кравченко. Март.

И.Грабарь. Мартовский снег.

А.Попов. Март.
Весна, весна! Как воздух чист!
Как ясен небосклон!
Своей лазурию живой
Слепит мне очи он.
Весна, весна! Как высоко,
На крыльях ветерка,
Ласкаясь к солнечным лучам,
Летают облака!
Шумят ручьи! Блестят ручьи!
Взревев, река несет
На торжествующем хребте
Поднятый ею лед!
Еще древа обнажены,
Но в роще ветхий лист,
Как прежде под моей ногой
И шумен, и душист.
Под солнце самое взвился
И в яркой вышине
Незримый жавронок поет
Заздравный гимн весне.
Что с нею? Что с моей душой?
С ручьем она ручей
И с птичкой птичка!
С ним журчит,
Летает в небе с ней!
Евгений Баратынский

Г.Чайников. Солнечный март.

В.Иванов.

И.Грабарь. Март.

И.Левитан. Ранняя весна.

Сейчас, когда март, по-моему, чуть-чуть забыл, что он – весна, хочется чего-то теплого и солнечного.  Работы этого художника, на мой взгляд, замечательно восполняют этот пробел и создают настроение. 
Легкость, воздушность, экспрессионизм - вот отличительные черты этого мастера акварели.


Художник Тимошин Олег

"В единстве с природой" – название одного из первых плакатов художника стало лейтмотивом его творчества. Эта тема присутствует во всех произведениях художника – будь то плакат, акварельные листы, живописные произведения маслом, дизайн создаваемых интерьеров. Картины маслом и акварелью, выполненные художником, всегда вызывают восторженный интерес зрителя своим мастерским исполнением и душевной теплотой.

Любимая техника художника – акварель, масло. Отточенная непрестанной работой и поисками на протяжении многих лет, его техника акварельной живописи уникальна. Пронизанные светом, наполненные сложной цветовой гаммой, акварели несут радость жизни и надежды.

Автор видит задачу через изображение природы прикоснуться к чувственному восприятию зрителя, вызвать глубокие внутренние эмоции. “Смятение чувств”, “Море желаний”, “Белое озеро” продолжают цикл "Восприятие", начатый картинами ”Раннее утро”, “Шелест”, “Шепот”. Картины выполнены в новой технике: акварель, акриловый лак на холсте.

Для художника интересно создание циклов живописных картин, связанных общей темой и поставленной творческой задачей, создание парных работ, выполненных как в технике акварельной живописи, так и масляной живописи. Постоянное совершенствование и поиск акварельного письма позволяют открывать художнику все новые грани владения мастерством в этой удивительной, не терпящей исправления и ошибок, творческой акварели.

“Я не пишу акварелью, - говорит художник, - акварель позволяет войти в свой мир, использовать ее волшебные свойства”.

Отредактировано Наталли (2012-03-13 16:56:21)